Más vale tarde que nunca dice el viejo adagio. Hace un poco más de una semana empecé con mis críticas sobre los ganadores del concurso de comics de Perú 21. Hoy es el turno de ¿Quemier?, trabajo merecedor del primer puesto, creado por Gino Francesco Palomino Flores.

Bien. ¿Quemier? es un comic que juega con la fórmula del hombre común que decide improvisar un traje al hacerle huecos en una gorra y convertirse así en un justiciero de la ciudad. No hay nada de kryptonita ni rayos gamma en este comic. Solo un hombre con buenas intenciones que lamentablemente es comido enterito por el sistema. En caso no se hayan dado cuenta, de los 3 ganadores, este el único comic que se esfuerza por desarrollar un personaje decente y por contar una buena historia que busca entretener en lugar de ser un vehículo para dibujos bonitos.

Tengamos antes en cuenta algo. Un comic se trata de contar una historia. Al igual que el cine, existe en la mayoría de casos un componente narrativo que guía el trabajo y la calidad final depende de cuan buena es la puesta en escena. En otras palabras, NO SE TRATA SOLO DE DIBUJAR BIEN. Se trata de contar la mejor historia posible. Y de los tres primeros puestos, no hay lugar a dudas que ¿Quemier? es la mejor de las tres opciones.

Pero no me malentiendan. No estoy diciendo que el trabajo de Palomino es la segunda llegada de Cristo ni nada por el estilo. Es un trabajo creativo que juega con el formato de super héroe (aunque de súper no tiene mucho) para contar el origen de un personaje que muestra la falla del sistema social en el que vivimos. Tal cual lo dice el personaje principal, su poder es “escuchar a las personas” y en lugar de perseguir ladrones o algo por el estilo, ¿Quemier? se dedica a subir por la cadena aristocrática a través de sus conversaciones con empleados sin dinero, jefes corporativos y hasta políticos sin escrúpulos.

Y es precisamente este punto, su mayor fortaleza. Aparte de hacer uso del nombre más creativo que he visto en un buen tiempo, ¿Quemier? tiene precisamente lo que hacía falta en un mar de Cholas Power, comentarios inteligentes y humorísticos sobre como en nuestro país (y en el resto del mundo) nadie tiene la culpa de nada y siempre se sale perdiendo por ayudar al prójimo.

Pero no todo es pétalos de rosas. Si bien el concepto es brillante, la ejecución necesita unos cuantos empujones. La trama maneja un recurso repetitivo que dura de comienzo a fin con una clara intención humorística. Sin embargo, si bien esto funcionaría adecuadamente en un comic de mayor extensión, en 4 páginas se pierde y solo ayuda a bajar las expectativas del lector ya que para la tercera página, este sabe como va a terminar el chiste antes que empiece.

Otro traspies es el final que resulta ser un anticlimax a toda la historia. Pero ojo, no digo que le falte acción o patadas voladoras al comic. Más bien, me refiero a un climax narrativo. El final de ¿Quemier? es autoconclusivo y la verdad, se hubiese beneficiado diez veces más de terminar con un personaje insistente en su punto de vista y deseoso de seguir combatiendo el crimen moral. En cambio, tenemos a uno apagado y sumido en la miseria de haber fracasado en su misión.

Pero volviendo a lo bueno, Gino Palomino sabe lo que hace (con excepción de la limosina al final de la página 3 que la verdad me desesperó un poco). A pesar de esto, tiene un buen manejo del lápiz al igual que de la tinta y el hecho que la lectura se haya sentido tan fluída a pesar de ser un comic en el que la mayoría de personajes se dedican a hablar, es indicación del buen manejo de ritmo y composición. El autor también hace uso de algunos efectos de movimiento como lo son las manos en el panel 9 de la página 3 lo cual resulta en bonitos detalles. De lejos, el mejor comic de los finalistas y un muy merecedor primer puesto. Y entre nos, el único comic del que me gustaría ver futuras historias. He dicho.

En este momento hay una película gringa en producción que dará bastante que hablar en los siguientes meses. Se llama Scott Pilgrim vs. El Mundo y está siendo dirigida por el siempre excelente Edgar Wright, director de joyas como Shaun of the Dead, Hot Fuzz y Spaced (una de las mejores series de TV británicas de la última década). En caso no sepan, la película está basada en uno de los comics más divertidos que hay, así que supongo no hay mejor momento para hablar un poco de Scott y de sus aventuras surreales que el presente.

Y en caso sean parte de la mayoría que no ha leído el comic, pues pueden aprender un poco del personaje y luego, cuando salgan los trailers del film, decirle a todo el mundo que ya leyeron el comic. Todos amamos ser snobs ¿no?

Bueno, Scott Pilgrim es un seudo-rockero de 24 años. Piensa que fumar el algo malvado. Toca en la banda Sex Bob-Ombcon sus amigos. Tiene una maestría en manejo de espadas y acaba de ganar un level up al vencer a un skater y convertirlo en monedas de oro. Al lograr esto, obtuvo un skate pero no pudo almacenarlo en su inventario ya que no había trabajado en sus skating points. Pero eso no es todo. Scott está enamorado de Ramona Flowers, una repartidora ninja para Amazon.com, y para poder conquistarla debe vencer a sus 7 ex-enamorados malignos. En pocas palabras, Scott vive en el mundo de Nintendo circa 1987.

Sí. Es ese tipo de personaje. Los libros de Scott Pilgrim – creados por Bryan Lee O’Malley - cargan consigo historias desenfrenadas que viven en el límite entre la realidad y la imaginación. Una especie de realismo mágico adaptado a la Generación Y. Desde que volteamos la primera página debemos asumir que todo lo que ocurre es real así que eventos como ataques robóticos, peleas de espadas en centro comerciales y bonuses al mejor estilo de Mario Bros son cosas de todos los días.

El hecho que ni uno de los personajes reacciona sorprendido a estos eventos, ayuda a que todo se sienta más real. Cuando un ninja entra volando por un tragaluz para matar a Scott, sus amigos no gritan ni se alarman. Sólo se mueven lentamente a un lado, abren sus cervezas y de la manera más relajada se preguntan ’¿Cuánto crees que Scott demore esta vez?’.

Y es que ese es Scott. Es un joven inmaduro de 24 años que maneja las espadas mejor que nadie, pero que a la hora de hablar de temas mundiales o de mostrar empatía, sale jalado. Es un comic que mezcla la dosis perfecta de acción con humor y hasta un poco de romance. Es super visual y se lee todo de un porrazo. Algunas personas has descrito el comic como una película indie con toques de surrealismo y esto no se aprecia mejor que cuando Ramona entra a los sueños de Scott y empieza a correr a través de todo lo que ocurre por su cabeza.

Sin embargo, lo mejor de Scott Pilgrim (a diferencia de muchos comics modernos) es que nunca se toma en serio. Es un comic relajado que entretiene sin bajar nunca la calidad. Algo merecedor de aplausos, la verdad. Escenas como una cena entre amigos se enfoca en un Scott vestido de chef, ennumerando todos los ingredientes de su comida y dando las indicaciones de preparación. Por 3 páginas el comic se vuelve un recetario de Nicollini. En otra instancia, Scott nos enseña a tocar su canción favorita y todo el comic se convierte en una guía musical llena de acordes y pentagramas. El manejo del medio es impactante y la facilidad que Bryan Lee O’Malley le impone es para quitarnos el sombrero.

Para terminar, el comic es un gol. Léanlo. Aunque debo mencionar algo que he omitido adrede. El formato de Scott Pilgrim podría definirse como un amerimanga, un comic hecho en estilo manga con muchas de las propiedades del arte oriental. Ahora, ya se lo que están pensando. ¿Manga? ¡Puaj! Y como de costumbre, empezará el debate eterno de qué es mejor. ¿El manga o el comic? Podríamos citar a Eisner o McCloud y sería el mismo yada yada yada de siempre. La verdad es que ambos están compuestos de dibujos y palabras y que al final se trata de contar una historia de la mejor manera posible.

Y entre nos, Scott Pilgrim es una de las mejores historias que la industria occidental tiene para ofrecer hoy en día.

Tags: comics

En su lista de las 100 mejores novelas en inglés del siglo veinte, la revista Time incluyó a Watchmen, un comic. Así es, tal cual lo leen. La obra cumbre de Alan Moore y Dave Gibbons, única historieta en llevar este honorario, narra la historia de un Estados Unidos paralelo de 1985 en el que Nixon aún es presidente y la nación se encuentra a un pie de entrar a una guerra nuclear. En medio de todo, un grupo de vengadores anónimos busca un asesino y trata de impedir el Apocalipsis.

Para los que no lo han leído, este es EL COMIC. La Biblia. El Corán. El Necronomicon. Para muchos, la mejor pieza de arte secuencial de todos los tiempos.

¿Pero por qué es este comic tan venerado? ¿Por qué es considerada superior a cientos de otras novelas gráficas? ¿Y por qué es tan menospreciada como obra de literatura? ¿Solo porque tiene dibujitos? ¿Y por qué hago tantas preguntas?

A medianoche, todos los agentes…

Watchmen ha sido constantemente llamada ‘El Ciudadano Kane de los cómics’. Pero ojo, esta similitud no es narrativa. En realidad, poco tiene que ver la vida de Charles Foster Kane con la historia de un grupo de ex superhéroes abatidos por la sociedad y el gobierno, algunos con nombres tan alusivamente sociales a la época (Dr. Manhattan) que su sola mención deja un rastro de derrotas pasadas.

Más bien, la comparación con Kane se basa en el hecho que así como lo hizo Welles con el cine, la obra de Moore y Gibbons redefinió el cómic, mostrando todo lo que se puede hacer con el medio. Como dice Richard Lacayo, redactor de Time, Watchmen usa “un realismo psicológico despiadado y paneles ricos en cinematografía para crear una lectura voraz y un hito en la evolución de un medio joven.”

Tratar de describir la historia a profundidad sería inútil. Cualquier cosa que pueda escribir, sería inferior a la experiencia misma de leer esta obra maestra. Ya sea el manejo de los personajes, los documentos ficticios al final de cada número o la simetría en la composición de hojas, todo eleva a Watchmen a una nueva esfera. Más que un comic, parece una obra de ingeniería, una construcción pensada desde mil ángulos distintos. Todo tiene un por qué. Cada panel, cada sombra, cada color. Todo simboliza algo. Puedes leerlo diez veces y siempre encontrarás algo nuevo.

Tomemos el contexto mismo de la historia. Moore y Gibbons crearon un mundo desquiciado hasta más no poder. Un Estados Unidos con miedo hacia dos cosas: la guerra fría y el exterminio nuclear. Ambas representan el temor a amenazas extranjeras, ideas tan sociales y globales que nunca dejarán de perder su importancia. Y es que no existe peor miedo que el de hacia lo desconocido. Hoy en día, una guerra bacteriológica (anthrax) tiene la misma furia que una bomba atómica hace treinta años. Los nombres podrán cambiar, pero la desconfianza humana hacia el prójimo siempre seguirá ahí.

Y este temor mismo existe en cada uno de los personajes. Ninguno es bueno, ninguno es malo. Existen héroes y villanos pero la línea entra ambos es sumamente borrosa. Todos tienen motivos legítimos para hacer lo que hacen, ya sea asesinar inocentes o defender a violadores.

Quis Custodiet Ipsos Custodes?
El lema de Watchmen es simple: Quis custodiet ipsos custodes? o ¿Quién vigila a los vigilantes? Los personajes principales son personas reales que deben enfrentar sus propios demonios, neurosis e inferioridades. El hecho que fueron superhéroes en vidas pasadas es irrelevante.

Cuando vemos a un sicoanalista tratar de analizar la locura de Rorschach, entendemos que este tiene serios problemas éticos y privados que le impiden ser una persona completa. Y cuando Rorschach por fin confiesa sus verdades, vemos la demencia en su manifestación más pura: una historia que consiste de un hombre, perros hambrientos y una niña. No diré más. Moore lo explica de la mejor manera citando a Nietzsche “Cuando miras largo tiempo a un abismo, el abismo también mira dentro tuyo”.

Y es que Watchmen en realidad logra lo más obvio: tirar abajo el arquetipo convencional del superhéroe y en lugar de contar la trillada historia del bueno versus el malo, cuenta la odisea de personas fallidas que no saben qué hacer con tanto poder en sus manos. Algunos se vuelven soldados del gobierno. Otros huyen de sus responsabilidades. Otros viajan a Marte y ven meteoritos bailar en el horizonte.

Dos Jinetes se Acercaban

Alan Moore es un genio. Sí. Lo he dicho antes. Lo sé. En el caso de Watchmen, su don de yuxtaponer imágenes se aprecia en todo su esplendor. Los creadores no cuentan la historia de manera directa. Usan alegorías constantemente. Prefieren contar la vida de transeúntes en la calle, personas ajenas a la historia. Muchas veces veremos por ejemplo, a un niño en la calle, sentado junto a un quiosco, leyendo una historieta. El por qué es obvio. Moore sabe que al enfocarse en las vidas ordinarias de pocos, puede ayudarnos a comprender la tragedia de millones.

Esto no es todo. Al final de cada uno de los doce números, los autores introducen segmentos en 100% prosa. Estos pueden ser segmentos de novelas ficticias, documentos de estado, incluso entrevistas falsas a los personajes. La sensación de tener un ‘libro de verdad’ dentro de un comic puede desorientar a varios al inicio. Pero la verdad es que estos fragmentos nos ayudan a profundizar en cada uno de los personajes. Tenemos de esta manera ante nosotros, algo excepcional. Verán…

No siguió para nada las convenciones estándar de los cómics de entonces. Trata la historia de unos superhéroes claro, pero esa es la única similitud que tiene con una historieta. Watchmen se adelantó por lo menos veinte años a su época. Tocó temas oscuros y adultos, vio a los superhéroes como personas reales con miedos y deseos, supo que el comic es un medio y no un género. Y lo explotó al máximo. Si no me creen, enfóquense en la simetría. Cada panel, cada página está esquematizada de tal forma que provoca una reacción cinemática en los ojos del lector. La diagramación de 9 paneles equivalentes por hoja es vital para esto. Provee una lectura más fluida y dinámica para los ojos del lector. Y hay más.

Según Doug Atkinson, el capítulo 5 es un espejo, cada página es una contraparte simétricamente perfecta a su pareja opuesta. De esta manera, la pg. 1, refleja a la 28, la 2 a la 27 y así consecutivamente. Las pg. 14 y 15 son un splash page y es donde el espejo se encuentra consigo mismo. El hecho que todo el número trata sobre cuán simétrica es el alma de los personajes, solo engrandece la lectura.

Si eres de los que creen que el comic solo te puede ofrecer historias arácnidas y kriptonianas cien por ciento comerciales, Watchmen te sorprenderá. Moore y Gibbons se esmeraron en contar la historia definitiva del mundo cínico en el que vivimos y como las personas que consideramos nuestros héroes y líderes, muchas veces llegan a ser almas más rotas que cualquiera de nosotros.

Tags: Alan Moore, Watchmen

¿La piratería es un problema? Claro que lo es. La apropriación, copia y venta de material intelectual es algo penado por ley en todo el mundo. Pero seamos honestos. Es un problema que todos disfrutamos y con el que contribuimos semanalmente. Y si me dicen que ustedes solo compran DVDs originales, entonces los llamo mentirosos y que se los trague la tierra.

A lo que voy es que Polvos Azules es la madre nodriza de todo este monstruo que se llama piratería. Lamentablemente, en nuestra sociedad, Polvos Azules es un mal necesario. Si no fuera por Polvos Azules, nunca habría visto F de Falso ni las películas de Herzog o Ozu. En pocas palabras, uno encuentra de todo. Pero últimamente me he dado con la sorpresa que hay varias series de TV que no existen en el universo Polvos. Claro, Heroes y House están completitas y para los que disfrutan de cosas más rebuscadas, también tienen The Outer Limits y hasta Yo, Claudio.

Pero, ¿Cuáles son las series que no podemos encontrar? ¿Cuáles son las joyas que nos estamos perdiendo sin saberlo? Estas son las 10 series que necesito ver en Polvos Azules ya mismo. Así que ya saben. Corran cuanto antes donde su caserito a pedirles estas series.

10 – The Tick

La serie de TV con personas reales, basada en el comic de Ben Edlund estuvo maldecida desde un inicio. Para empezar, la dieron en FOX (experta en asesinar series) y contaba las historias de un grupo de super-héroes y sus problemas del día a día en un formato sitcom con tono un poco adulto. Imagínense a Seinfeld y Co. en spandex. Como dijo Dalton Ross en su comentario en la caja del DVD, ‘era muy inteligente. Muy chistosa. Muy extraña. Así que naturalmente, fracasó’. Solo hubieron 8 capítulos. Una pena. Comentario ultra geek: Batmanuel (el Batman latino) fue interpretado por Nestor Carbonell, o como lo conocemos todos, Richard Alpert en LOST.

9 – Parker Lewis no Pierde

Cast de Parker Lewis Can't Lose

Aahhh… moda noventera gringa. Cómo te he extrañado. Parker Lewis fue la mejor serie de colegiales que se hizo en Estados Unidos en los noventas. Y por si se preguntan – no – Salvado por la Campana y Beverly Hills no fueron buenas series. La serie, basada en Ferris Bueller (la genial película de John Hughes), contaba las aventuras surreales de tres jóvenes en una escuela gringa. Peleas con profesores, inventos fuera de control y el miedo de ser comidos por Kubiak, el matón de la clase, todo era pan del cada día en la vida de Parker. Para terminar, le debemos una de las mejores frases que se han creado – ¡Sincronicemos Relojes!

8 – Las Aventuras de Brisco County Jr

Bruce Campbell, estrella del cine B

Bruce Campbell no solo es el mejor actor de películas B que existe. Aparte de haber sido Ash en la saga de Evil Dead, Campbell también interpretó a Brisco County Jr. en esta serie de TV de FOX (si… Fox de nuevo). Brisco era un vaquero en busca de los asesinos de su padre en la pampa gringa de comienzos de siglo pasado. Sin embargo, lo genial de la serie era el tono de ciencia ficción y Steampunk que tenía. Tanques, motocicletas y artefactos alienígenas podían aparecer en cualquier momento. Es mas, una de las historias principales era sobre una orbe extraterrestre que al parecer le daba poderes increíbles a quien la poseyera. Uno de los escritores era Cartlon Cuse, productor ejecutivo de LOST, así que esto no debe resultar tan raro. Otra serie rayada y genial que nadie vio en su momento y que tuvo una muerte rápida.

7 – Northern Exposure

Una de las mejores series de TV de la década pasada, Northern Exposure (o Doctor en Alaska como se conocía en el mundo latinoamericano) contaba la historia de un doctor neoyorquino que es enviado a un pequeño pueblo olvidado en Alaska. Una clara historia del pez fuera del agua contada de manera genial en tonos de comedia mezclados con excelentes momentos poéticos. Es ciero que en las últimas temporadas la calidad baja bastante (Rob Morrow, el actor principal, deja la serie) pero las primeras dos o tres temporadas son oro puro. No por nada ganó el Peabody, Emmy y Globo de Oro a mejor serie dramática. Recomendadísima.

6 – Las Aventuras de Pete y Pete

Si reconoces el nombre, entonces seguro ya tienes una sonrisa dibujada en el rostro. Esta fue la serie absurda para niños por excelencia (lo absurdo se está volviendo un tema repetitivo en esta lista ¿no?). Diez años antes de Bob Esponja, esta serie sobre dos hermanos tiene más en común con Wes Anderson que con Walt Disney. Los dos hermanos llevaban el mismo nombre, su madre tenía una plancha metálica en la cabeza que le permitía interceptar emisiones radiales y uno de sus mejores amigos era Artie, el hombre más fuerte… del mundo! En serio, este fue uno de los primeros goles de Nickelodeon, allá por los comienzos de los noventas. ¿Una serie para niños que contaba con las actuaciones de Adam West, Steve Buscemi e Iggy Pop? Sí por favor, necesito volver a verla.

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(continuará con los números 5 al 1)

Lo más probable es que no reconozcan el nombre a primera vista. Y es que Jeffrey Brown no es un Jim Lee o un Frank Miller. Brown nunca ha dibujado un comic de Superman y jamás ha usado su lápiz para dar vida a los X-Men o a los Vengadores. Sin embargo, a mi parecer Brown es uno de los mejores caricaturistas gringos trabajando en este momento.

Ahora seguro se preguntarán ¿Cómo es que nunca he escuchado su nombre? Y es que Brown sabiamente ha preferido trabajar con Top Shelf y mantenerse lejos de las garras corporativas de DC y Marvel. Bien por él, la verdad. Su estilo extraño e íntimo tendría un efecto contraproducente dentro de los universos de capas y superpoderes si me preguntan. Entre sus mejores trabajos están AEIOU, Clumsy y las aventuras de Bighead, un superhéroe muy particular. Algunas de sus historias son semi autobiográficas sobre sus relaciones personales y otras como Bighead son cuentos de acción desenfrenados con personajes deformes y con ideas igual de raras sobre los conceptos de ética y justicia.

Funny Misshapen Body: A Memoir (Cuerpo Chistoso sin Forma: Una Memoria) es su último trabajo. Es una especie de comic autobiográfico sobre por qué Brown decidió convertirse en artista. Dentro, Brown hará lo usual: contar anécdotas pintorescas, hablar de su lucha con el mal de Crohn y mostrar clásicos relatos sobre el consumo de drogas. Promete bastante. Miren el preview de 3 páginas en el que habla de su trabajo en una tienda de suecos de madera:

(Maestro, yes or no?)

Genial ¿no? Felizmente, ahora podemos tener un vistazo de su proceso creativo gracias al internerd y a su blog. Lo que ven abajo es una herramienta vital para todos los interesados en aprender más sobre como diferentes artistas manejan sus guiones. Es la forma en que Brown estructura sus viñetas y ordena sus ideas antes de empezar a atacar el enemigo más odiado de todos los artistas: la página en blanco.

En sus palabras:

Mi proceso es juntar elementos/momentos/historias que quiero incluir y crear un outline de estos elementos, lo que luego tengo que pulir y volver a pulir hasta terminar con un guión más detallado – ya sea panel por panel o página por página. Esta es una parte del guión de ‘Funny Misshapen Body’ antes que lo desechara y volviera a empezar de cero con un nuevo guión. Usualmente tengo suficientes notas para mí mismo sobre qué es lo que está ocurriendo, sin escribir el diálogo final hasta que me siento a dibujar la página. Suelo componer los paneles en mi cabeza mientras dibujo así que no escribo datos visuales para los guiones.

Muy interesante. En particular por el grado de improvisación que usa a la hora de dibujar. Conozco artistas que prefieren tener todo apuntado hasta el más mínimo detalle antes de empezar a dibujar una cabeza, cosa que es la norma al escribir y dibujar comics para Marvel y DC. Pero no puedo negar que el dejar el diálogo y el diseño de paneles para el final le otorga una libertad al artista que no muchos se permiten. Un buen ejercicio para todos, que no quepa duda.

Sin embargo, recordemos que esta es la forma que mejor funciona para Brown. Diferentes artistas tienen diferentes perspectivas y lo que funciona para Brown no funciona necesariamente para Kochalka o Craig Thompson. Pero aún con este grado de improvisación, Brown muestra que maneja una estructura básica para diagramar las páginas en general. Si bien deja los detalles para el final, el esqueleto de la historia está presente desde el comienzo. Muy interesante, como dije.

En fin, para no aburrirlos más los dejo con uno de mis favoritos. Una tira cómica breve sobre la Hora de la Tierra, hora en que se apagaron todos los objetos eléctricos en el mundo y en la que el Perú fue uno de los participantes.

Tags: artistas

Superman es uno de mis superhéroes favoritos. Y como seguidor fiel de su ideología, siento que tengo una responsabilidad hacia su legado. Verán, por algún motivo y durante muchos años, a Superman se le ha tachado de ser… muy cándido, muy bonachón. Tal vez es el peinado de colegial sacado de los cuarentas. Tal vez son los anteojos de abuelo. La verdad es que hoy en día, la percepción hacia Kal-El ha cambiado drásticamente. Cuando la gente hable de él, ya no se habla de un titán o un semidiós.

Se habla de un lorna.

 (Este homre usa sus calzoncillos encima de sus pantalones)

Superman, lamentablemente, se ha vuelto un sonsón. Un superhéroe demasiado bueno para su propio bien. Come todas sus verduras y nunca lastimaría ni a una mosquita. Sus morales lo han traicionado. Al ser tan bueno, puro y blanco, se ha vuelto muy sinsabor. Demasiado blah. Ha dejado de interesarnos.

Por eso es que el resto de nosotros, meros mortales, preferimos a Batman. Es oscuro, se mueve en las sombras. Es más ‘cool’. Preferimos ver a Bats luchar con sus demonios internos que ver a Superman sermonear a algún malhechor. Por un lado, Superman vuela por los cielos y sonríe. Aburrido. Por el otro, Batman sale por las noches y amenaza ladrones. Chévere.

Pero la verdad es esta. Superman no es un cualquiera. Es el último hijo de Krypton de la casa de El. Es el hombre del mañana destinado a vivir en el hoy para siempre. Es la palabra de Nietzche hecha verdad. Es alguien que puede viajar hasta la luna, y desde ahí ver el atardecer en todo un hemisferio. Puede ver como las células de tu piel mueren mientras habla contigo y nunca dirá nada (Sería descortés de su parte).

Superman es un mito y es eterno. El ser que todo lo puede.

Y sin embargo, este es su mayor defecto. Al tener prácticamente los poderes de un dios, Superman puede vencer a cualquier villano. Pero como dice Umberto Eco, esto lo ubica ‘en la preocupante situación narrativa de ser un héroe sin adversario, y por tanto sin posibilidad de desarrollo.’ Este es el dilema del hombre de acero y algo que todos sus escritores se preguntan ¿Qué obstáculo le podemos dar a Superman? ¿A qué adversario suficientemente grande se puede enfrentar?

Por esta razón es que toda aventura de Superman funciona mejor cuando la sacamos de su contexto ordinario y le damos circunstancias y enemigos inimaginables. Mientras sean más distorsionados, mejor. Por eso es que las historias del Silver Age funcionan tan bien:

- Estrellas de mar gigantes que controlan tu mente
- Policías Científico-Fascistas del futuro
- Villanos que convierten a los héroes en piezas de ajedrez.

El mundo de Superman siempre es más divertido cuando se ve inmerso en lo maniático, lo desequilibrado, incluso lo chiflado. Basta pensar en Bizarro, Mister Mxyzptlk y el Superman Compuesto para tener una idea de lo que estoy hablando. Y tal vez el mejor ejemplo de todo esto es el Allstar Superman de Grant Morrison y Frank Quitely.

En doce números, Morrison creó la versión definitiva del hombre de acero. La premisa es elegante y simple. Superman está contaminado por radiación solar y va a morir. En el poco tiempo que le queda realizará las 12 tareas hercúleas y salvará al mundo por última vez.

 En este lapso lo vemos responder la pregunta imposible: ¿Qué ocurre cuando la fuerza indetenible se encuentra con el objeto inmovible? Su respuesta es lógica y sencilla. ‘Se rinden’. En otro número viaja al pasado incognito para conversar con su padre y acompañarlo en el momento de su muerte. En otro, crea un universo miniatura para ver cómo sería un mundo sin él. ¿El resultado? Un mundo alterno en el que unos artistas de nombre Siegel y Shuster crean un personaje de comics, también llamado Superman. Así es, Morrison propone que Superman creó nuestro mundo y que su mitología es tan grande que se filtró hasta nuestra conciencia colectiva en la forma de una idea. El hombre no existirá, pero su idea es eterna y vivirá para siempre.

Finalmente, en el último número y antes de morir, Superman sueña con Jor-El, su padre kryptoniano. Paseando sobre ríos de lava, el fantasma de su padre empieza a hablar del efecto que tiene en la humanidad. ‘Les has dado un ideal al cual aspirar, representas sus más grandes aspiraciones. Ellos crecerán, se tropezarán, se caerán, se arrastrarán… y maldecirán… y finalmente se unirán contigo en el sol, Kal-El.’

Y esta es la verdadera esencia de Superman. Es alguien que nos inspira a ser mejor en cualquier cosa que hagamos. No pelea por el estilo de vida americano. Él pelea por el estilo de vida humano. Es el inmigrante perfecto que representa lo mejor de la humanidad y que lucha por cada uno de nosotros.

Pero no puede salvarnos a todos.

Alex Ross dijo que Superman es el símbolo fallido de Jesucristo y está muy en lo cierto. Es el ser que todo lo puede y que sin embargo, se rehúsa a imponer sus valores sobre nosotros. En su mente, a pesar que es mil veces más inteligente y fuerte que cada uno de nosotros, él no tiene ningún derecho a cambiar nuestras vidas. Solo hace lo que cualquiera de nosotros puede hacer. Inspirar grandeza a través de sus acciones.

Superman es el Prometeo moderno. El ser que voló hasta el sol y que trajo el fuego para la humanidad. Se ha convertido en un mito y como sabemos, todo mito es inconsumible. Es un personaje de ficción, de eso no hay duda. Pero eso no significa que no sea real. Toda idea es real. El hecho que no podamos tocar o medir una idea no implica que no exista. Superman respira y está junto a nosotros.

Si no me creen, pregúntenle a Barack Obama

Tags: Superman

“Dentro de este maletín hay pruebas irrefutables que esta persona arruinó tu vida y que lo que te estoy diciendo es cierto. Dentro, también encontrarás una pistola, 100 rondas de municiones. Todas imposibles de rastrear, toda tuyas. Haz con ellas lo que creas conveniente. Si actúas bajo esta información, tendrás carte blanche.”

- Agente Graves a Dizzy Cordova, 100 Balas #1

Con esta frase, empezó uno de los comics más inteligentes e innovadores de la última década. Una de las mejores historias sobre crimen que se ha escrito en cualquier medio, ya sea cine, tv o literatura. ¿Quién diría que un comic sería capaz de poseer la misma energía cruda que un film de Scorsese o mantener un suspenso digno de Raymond Chandler? Estoy hablando de 100 Balas, la obra maestra de Brian Azzarello y el argentino Eduardo Risso, un comic en el que la sangre y el sudor se mezclan en un todo y que después de 100 excelentes números, llegó a su final hoy día.

Para los que nunca han tenido el placer de leer el comic, 100 Balas narra en un principio la historia del Agente Graves, un hombre con una sola misión: Buscar a personas por todo el mundo cuyas vidas han sido arruinadas por equis motivos y darles un maletín. Dentro del maletín encontrarán el nombre de la persona que arruinó sus vidas y un arma que representa la oportunidad de cobrar la tan anhelada venganza.

Qué harías si descubres que tu hijo recién nacido murió por la culpa de un doctor alcohólico? ¿Cómo reaccionarías si te enteras que fuiste a la cárcel porque tu propio hermano te traicionó? ¿Matarías a tu mejor amigo si te enteras que violó a tu difunta esposa? Historias como estas son parte del universo de 100 Balas. Historias en la que los personajes principales son personas sin escrúpulos,ángeles de venganza que no merecen redención alguna y que sin embargo, no podemos dejar de apreciar.

Pero lo que he mencionado es solo el inicio. A medida que avanza la serie, descubriremos que el Agente Graves no es un accidente de la naturaleza ni que mucho menos actúa por voluntad divina. Graves es un hombre cansado con un norte claro y como todo buen narrador, irá quitando lentamente el velo que tapa el gran misterio. Eventualmente el lector encontrará uno de los mejores plot twists de la historia, conspiraciones de tamaños inimaginables y una sola palabra: Croatoa.

Ahora, podría seguir hablando de los méritos de la historia y de la gran variedad de personajes que nos ofrecen los creadores. Podría hablar de Milo, el amnésico con el rostro quemado en busca de su pasado con bandas cubriendo todo su rostro. O podría hablar de Curtis Hughes, el padre que quiso ser un asesino en los 60s pero que fue rechazado por su color de piel y que ahora busca reconectarse con su hijo. O podría hablar de Echo Memoria (¡qué gran nombre!), una prostituta parisina en busca de una pintura. Pero no lo voy a hacer.

 (El ritmo es implecable)

Y es que no tiene sentido hablar de los momentos grandiosos del comic ya que hablar de ellos solo le restaría valor emocional a todos aquellos que aún no lo leen. Solo puedo decir que este es un comic de los pocos que se hacen cada diez años. Azzarello es el gran titiritero y su guión no solo es 100% cinematográfico, sino que además tiene un excelente oído para captar el habla coloquial de los personajes. Algo que muchos comics como Los Vengadores (te estoy hablando a ti Luke Cage) tratan de lograr, pero fallan miserablemente. Por otro lado, Risso es un artista genial, un maestro en el manejo de las sombras y del negro. El feeling noir que el argentino le otorga a cada página es suficiente para ser contratado como artista de storyboard en todas las películas criminales que se hagan de aquí hasta la eternidad. El hombre es simplemente así de brillante.

Pero no todo es gloria y color de rosas. El comic comete ciertos traspiés como la inclusión de personajes secundarios que no suman nada a la historia o jugadas editoriales (como el número de aniversario) que más huelen a promociones de marketing que a capítulos dentro de la gran historia. Pero dentro de toda la narración (¡son 100 números!) no es nada que no pueda ser perdonado.

La verdad es que este es un comic complejo sobre asesinos y vendettas. Lo excelente es que su lenguaje cinematográfico le permitiría ser llevado fácilmente a otro medio como el cine o la tv. Es una historia que alguien como DePalma podría producir y convertir en serie de televisión. ¿Se imaginan al director de Los Intocables dirigiendo el primer capítulo?

Si no lo han leído, denle una oportunidad. Recuerdo haberlo visto en Librerías Crisol. No se arrepentirán. La historia empieza como un misterio simple pero pronto se darán cuenta que empieza a crecer. Y continúa creciendo y no deja de hacerlo en ningún momento. Para el final, hay decenas de personajes principales (un árbol genealógico a la 100 Años de Soledad sería una buena idea) que verán sus vidas amenazadas en un mar de sangre y lágrimas. Para nosotros, ambas pueden representar cosas distintas. Pero para los muertos, ambas tienen el mismo sabor.

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Badabim, badabum, lo que todos sabíamos desde hace más de un mes se anunció con trompetas y corsos durante el fin de semana. Perú 21 publicará desde el 29 de abril, los 12 números de Wolverine (a llamarse Lobezno de ahora en adelante) que son parte de la excelente saga de Mark Millar y Romita Jr. Grandes noticias, la verdad. Es un comic simple, sin muchas complicaciones que es 100% acción y adrenalina.

Me he dado cuenta que varias personas critican el arte de Romita Jr. A todos ellos, les digo ‘poppycock’. Romita Jr es uno de los mejores artistas mainstream que existen. Si en verdad quieren criticar el trabajo de un dibujante, no solo pueden enfocarse en la cara de Lobezno o que tan bien están dibujados su traje o sus músculos. Si ese fuera el caso, Jim Lee sería uno de los mejores dibujantes del mundo, cosa que no lo es (por favor, no me tiren tomates). Tienen que ver el manejo de viñetas, la transición de los ojos de un panel a otro, el ritmo que va creando el artistas en escenas. Todo esto se aprende a la hora de leer un comic. Si bien uno no lo piensa a la hora de leer, el subconsciente lo va procesando. Y Romita Jr, es uno de los mejores en su campo. Así de fácil.

Y lo que más salta a la vista es la subida del precio. 4 soles con cupón y 5 soles sin cupón. Pero los comics serán dobles y de 48 páginas cada uno. En otras palabras, dos comics en uno. Una ganga por donde se le mire. Aplausos para el encargado de productos del diario y para el grupo Kingdom que si no he entendido mal, son los asesores en lo que a comics se refiere.

Sin embargo, uno no puede evitar preguntarse, ¿cuánto están ganando estas personas? El precio de venta es tan bajo que uno pensaría que con las justas recuperan lo invertido. Si bien Perú 21 solo paga los derechos de publicación a Panini (no paga a escritores ni dibujantes ya que son historias ya hechas), hay costos de impresión y distribución que cualquiera debe considerar.

Uno pensaría que la forma más lógica de ganar dinero sería vendiendo publicidad dentro del comic (como hacen todas las historietas gringas), pero al abrir el último número de Batman, uno se da con la sorpresa que hay… cero anuncios publicitarios. Hay una propaganda para el concierto de KISS en la contraportada, claro. Pero ¿Por qué no vender espacios dentro del comic mismo? Es obvio que varias empresas pagarían beaucoup money por esto. ¿Acaso Planeta De Agostini (quien vende los derechos de Batman) les prohibe la venta de publicidad dentro del comic? Algo para qué pensar, no hay duda.

Pero la verdad es evidente. Esta tarea hercúlea que viene haciendo Perú 21 solo puede ser llevada a cabo por el diario mismo – ellos u otro periódico similar. Mirémoslo así. Ellos ya cuentan con las líneas de distribución y las impresoras que son tan necesitadas para esta actividad. No tiene que hacer una inversión nueva, ya que cuentan de antemano con la mayoría de insumos necesarios. Cualquier otra persona tendría que pagar por estos costos por separado y fácilmente cobrarían 6 soles o más.

… Alto. Me estoy yendo por la tangente. La verdad es que los 12 números (6 números dobles) que Perú 21 va a publicar son unos de los más entretenidos que se han hechos en tiempos recientes. Pero no esperen Watchmen ni Batman Año Uno. No es para nada un análisis de la mente de un super héroe ni una evaluación de la cultura en la que vivimos. En un comic de un tipo con garras que mata todo lo que se le cruce por el camino, dejando rastros de sangre verde por todos lados. Si creen que algo así es de su agrado, entonces bienvenidos. Lobezno los recibirá con los brazos abiertos.

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